Hoy celebramos el 50 aniversario de posiblemente el mejor álbum de rock and roll en vivo de todos los tiempos.

Junio ​​de 1969. De vuelta al borde, The Who son más grandes de lo que nunca imaginaron posible. Con Tommy vendiendo 200,000 copias en las primeras dos semanas solo en los EE. UU., Fue un cambio notable para una banda que, solo unos meses antes, se acercaba a la bancarrota y lo llamaba un día. En lo que debió parecer un abrir y cerrar de ojos, nació la ópera rock y, con ella, Pete Townshend ascendió a su trono, el último gran rey de la contracultura de los años sesenta.

Con el “Pinball Wizard” de Tommy A-sides y “I'm Free” que refinan su “R&B máximo” hasta el rock inflexionado por proto prog, The Who se encontraron zigzagueando en todo el mundo, superando las principales facturas del festival y – testimonio completo de su creciente atractivo en ese momento: empacar teatros de ópera con entradas agotadas. A medida que los años 60 se detenían, y con un seminario seminal de las 5 a.m.en Woodstock inmortalizando el espectáculo de su show en vivo de la era pico, parecía que era hora de comenzar a grabar conciertos para un posible álbum en vivo. Impulsivo y perfeccionista en igual medida, Townshend nunca estuvo satisfecho con los resultados y ordenó al sonidista de la banda, Bob Pridden, quemar las cintas.

“Pensamos que obtendríamos el mejor material”, dijo Townshend a Rolling Stone en ese momento. “Cuando regresamos, teníamos 80 horas de cinta. Le dije: “A la mierda eso, no me voy a sentar a pesar de 80 horas de cosas en vivo”. Seamos sinceros, te lavarían el cerebro. Entonces, simplemente desechamos el lote ”.

Informado por un mayor deseo de vencer a los contrabandistas que se roban de su arte, Pridden recibió instrucciones de volver a rodar las cintas cuando The Who se detuvo en la Universidad de Leeds, Inglaterra, con capacidad para 2,000 personas, en el Día de San Valentín de 1970. Inicialmente se mezcló como un seis -transmitir el lanzamiento y soltarlo al mundo tres meses después, en gran medida como un paso intermedio hasta que Townshend pudiera escribir un digno sucesor de Tommy (afortunadamente, ese sería Who's Next de 1971), Live at Leeds no capturó la ola monstruosa de una banda inesperadamente golpeando su paso: reveló a cuatro músicos montando un alto alquímico, de generación en generación, de su propio diseño. Aunque tal vez no lo sabían en ese momento, The Who estaba haciendo historia musical.

Mientras que personas como Led Zeppelin y Deep Purple continuaron afirmando su propia influencia en el lado más pesado del espectro, en su peso fundido y su estruendo puro, Live at Leeds fue mucho menos una declaración de intenciones y más una declaración de preeminencia de The OMS. Saltando a una década que, para bien y para mal, alteraría irrevocablemente su curso para siempre, Roger Daltrey, John Entwistle, Keith Moon y Townshend, flanqueados por 4 gabinetes de 12 x 12 que funcionan a través de dos amplificadores de 100 vatios, ya no estaban interesados ​​en mostrar simplemente para competir.

Presentado en nada más que una rígida manga amarilla con el nombre de la banda (un guiño directo a la apariencia de los contrabando de LP de finales de la década de 1960 y un envío de The Rolling Stones 'Live'r Than I'll Ever Be), Live at Leeds es sísmico desde la segunda erupción de “Heaven and Hell”. Una obertura escrita por John Entwistle a la vida eterna y se abstiene como “¿Por qué no podemos tener vida eterna / Y nunca morir?” doble como gritos de guerra a la juventud inmortal. Al establecer el ritmo para el flujo y reflujo de éxitos, estándares y camaradería que definieron la trayectoria completa de 33 canciones del set, pocos abridores se han sentido tan enfáticos desde entonces.

Para su beneficio duradero, no hay un gran misterio para desentrañar en Live at Leeds. Con los clásicos mod-pop “Substitute” y “I Can't Explain” sangrando en una gran cantidad de portadas bien viajadas, incluyendo “Young Man Blues” de Mose Allison, estableció un estándar, ante todo, como una deslumbrante exhibición de poder colectivo y habilidad En el mejor de los casos, se siente como combustible límite, una muestra de fuerza deslumbrante de una banda que fue, y esto es categórico, hermética sin comparación. La forma en que su versión de “Summertime Blues” deslumbrante cede ante su versión de “Shakin’ All Over “de Johnny Kidd. Cómo “Un rápido, mientras está lejos” se despliega sin esfuerzo durante nueve minutos. Ese tipo de delicadeza no aparece mágicamente de la noche a la mañana. Nunca se puede invocar solo a través de la práctica. Mire más de cerca y es la síntesis de la convicción pura con una unión uno en un millón que siempre superará a la imitación y la fabricación.

Creando algo de un valle extraño sonoramente, la ausencia de ruido de la multitud a mitad de la canción sirve para enfatizar el panorama deslumbrante que es Daltrey y compañía. en plena marcha. Además, muchos momentos de ligereza ocupan un lugar central por derecho propio. Anímate ensordecedor cuando Townshend dice: “Nos gustaría jugar tres singles exitosos seleccionados. Bueno, los tres más fáciles “antes de” Sustituto “,” Happy Jack “y” Soy un niño “. O la hazaña vertiginosa que es “Magic Bus”. Una vez que un blues shuffle de tres minutos, la canción toma la forma de una pieza teatral de ocho minutos maravillosamente rebelde. Histriónico, ingenioso y lleno de aplausos, Live at Leeds no carece de calidez.

Si bien destacar a un miembro puede parecer un esfuerzo tonto, el hecho sigue siendo: Keith Moon, alrededor de 1970, fue una propuesta revolucionaria, casi desafiante a la realidad en la batería. Al intentar especificar dónde alcanza su punto máximo aquí, se siente como la verdadera locura; durante la sección de popurrí de las cosas de “Mi generación”, la kinesis, el exhibicionismo y la ferocidad de todo esto, parecen subir de nivel. Al igual que el fuego de artillería de una cabalgata de un solo hombre, perfectamente alineado con las incómodas incursiones de Entwistle, Moon encabezó todo lo que era excepcionalmente duro, pesado y proto sobre The Who. Aunque su genio perdura en muchas grabaciones de estudio, en ningún lugar vaga tan libremente como en Live at Leeds. “Uno de nuestros problemas es Keith Moon”, dijo Townshend alrededor del tiempo. “Es tan ensordecedor. Si hacemos un espectáculo de dos horas y media, él simplemente comienza a jugar como una máquina “.

Por su propia naturaleza, los álbumes en vivo pretenden traducir una quintaesencia que nunca se puede dejar en el estudio. En 1970, los gustos de Frank Sinatra y Miles Davis lo habían dominado. En lo que respecta a la roca, los resultados fueron invariablemente primitivos, empañados por doblajes o ambos. Presentado seis meses antes de la salida de The Rolling Stones, Get Yer Ya-Ya’s Out, Live at Leeds fue un proyecto de buena fe para el álbum en vivo ruidoso e incendiario. Aunque reeditado y ampliado varias veces en los últimos 50 años, su esencia se mantiene como una de las cosas más cercanas a las escrituras de rock and roll. Sin él, sin la visión combinada de The Who para ir mucho más allá, un mundo con personajes como Live and Dangerous de Thin Lizzy, Motörhead's No Sleep 'til Hammersmith y AC / DC's If You Want Blood You Have Got It es, en el mejor de los casos impensable

DEJA UNA RESPUESTA

Por favor ingrese su comentario!
Por favor ingrese su nombre aquí