Consequence Podcast Network y The Opus de Sony regresan para la temporada 12, que examina el legado perdurable del último álbum póstumo de Janis Joplin, Pearl. Además, después de leer este artículo, desplácese hacia abajo para participar en nuestro sorteo exclusivo de Janis Joplin o anotar un botín original de Opus.

Pearl nunca tuvo la oportunidad de ser solo un álbum. Eso se aseguró cuando Janis Joplin fue encontrada muerta en su habitación de hotel por una sobredosis accidental de heroína durante las sesiones que llevarían a su segundo y último disco en solitario. En ese momento, Pearl, que salió un poco más de tres meses después, nunca podría ser simplemente la última medida del brillante cantante de blues como artista discográfico. Se convirtió en parte del mito de Janis Joplin, una idea que solo se ha vuelto más atrevida y compleja a lo largo de las décadas. Para muchos fanáticos, Pearl se convirtió en sus últimas palabras y una despedida de facto. Para otros, una pista incompleta de lo que podría haber sido si ella hubiera continuado. Y para otros aún, el Anexo A, una especie de pista de lo que le había salido mal a esta joven blanca de Texas que nunca había encajado, cantaba como los cantantes de blues de antaño y deslumbraba al mundo en un brillante remolino de plumas. antes de ser trágicamente silenciado.

En el galardonado documental de 2015 de la cineasta Amy Berg, Janis: Little Girl Blue, se repite que sacar a Joplin, la persona del mito, siempre ha sido un desafío. Parte de eso es culpa nuestra. Como fanáticos de la música, tendemos a romantizar los meteoritos ardientes como Joplin, quien, como Neil Young diría más tarde, se quema en lugar de desvanecerse. Destellan de manera tan brillante y cegadora por el cielo que nunca sospechamos que puedan derrumbarse en cualquier momento. Parte de esa falta de definición es obra del propio Joplin. El baterista y compañero de banda de Big Brother and the Holding Company, Dave Getz, ha explicado que para cuando Joplin se convirtió en solista, había desaparecido intencionalmente, al menos públicamente, más profundamente en el personaje del escenario que había capturado la imaginación de cualquiera que la hubiera visto actuar. Es el personaje que vemos representado en la manga delantera de Pearl: todas prendas brillantes y fluidas, brazaletes colgantes y plumaje sobre un sofá de dos plazas victoriano. Es una persona tan atrevida y magnetizante que resulta fácil olvidar la posibilidad de que Joplin entendiera el blues y expresara su dolor tan bien porque su vida, hasta ese momento, había estado llena de un dolor aplastante.

Se vuelve aún más deseable, entonces, ir más allá del mito y tomar a Pearl como la joya deslumbrante que es y no simplemente el acto final de una figura misteriosa y mítica porque, según todos los relatos, Joplin pudo haber estado al borde de finalmente. dejando atrás algo del dolor que siempre la había atormentado como alguien que anhela la aceptación. Aunque sufría de la soledad de ser una estrella de rock y había comenzado a automedicarse con alcohol, varias personas cercanas a ella indican que finalmente había dejado atrás su persistente adicción a la heroína. Había encontrado algo de la primera camaradería y comunidad desde sus días de Gran Hermano en San Francisco mientras recorría Canadá ese verano a bordo del Festival Express. Finalmente tenía la banda que necesitaba para ser su yo salvaje e impredecible en el escenario, la Full Tilt Boogie Band, y la propia Joplin había hablado abiertamente sobre cuánto el productor de Pearl, Paul Rothchild, quien durante mucho tiempo se había interesado en la cantante y expresó su deseo por ella. verla grabar discos durante las próximas décadas, le había enseñado en el estudio. Es una lástima, entonces, que Joplin nunca haya completado esas sesiones. Como artista, ella era esa perla titular: cruda, natural y, finalmente, obteniendo el brillo que merecían sus talentos. Y así es como Pearl merece ser considerada y recordada.

Joplin saltó al estrellato como una intérprete explosiva, por lo que no fue necesariamente una mala idea que su anterior salida en solitario: ¡I Got Dem Ol ’Kozmic Blues Again Mama! con su Kozmic Blues Band y el productor Gabriel Mekler, había buscado capturar ese caos cinético en el estudio. Sin embargo, además de un cambio inesperado del rock psicodélico a un enfoque más fuerte en el soul y el R&B, la voz de Joplin gasta la mayor parte de ese disco en desacuerdo con su banda y sus arreglos. En su crítica de noviembre de 1969 para Rolling Stone, el crítico John Burks fustigó a la banda de acompañamiento, sugiriendo: “Es simplemente una cuestión de llegar al punto en el que se puede excluir a la banda, por completo, y escuchar cantar a esta mujer”. Burks es demasiado duro, pero no se equivoca en que Kozmic Blues, a veces, gira como un intento de sabotaje en su atracción estrella.

Afortunadamente, Rothchild, que ya era un veterano que había producido The Doors entre muchos otros, sabía que la emoción de la actuación en vivo de Joplin podía aprovecharse sin conformarse con grabaciones de menor calidad. Desde el primer momento en Pearl, desapareció la producción rígida y desnuda que previamente había dejado a Joplin cantando encima de una banda que sonaba fuera de sintonía con ella o en otro código postal por completo, y desechados por completo son los cuernos claustrofóbicos que amontona su voz para llamar la atención. A medida que esa línea de guitarra acompaña el ritmo urgente del abridor “Move Over”, está claro que cada afirmación de piano o movimiento de pandereta existe meramente como una plataforma para mostrar la historia original de Joplin sobre estar harto de que un hombre juegue con ella. corazón. Finalmente, no solo tenía el centro del escenario en el estudio, sino también un centro de atención.

Pero Pearl captura mucho más que Joplin finalmente recibiendo una producción adecuada para mostrar su talento. Rothchild vio mucho más en ella que la intensidad de Otis Redding y una garganta dorada y un poderoso conjunto de pulmones que, como tantas fuerzas primitivas de la naturaleza, algún día podrían estallar. Como resultado, la niña de Texas que creció imitando a Bessie Smith y tan a menudo, cuando se encontraba atrapada en un rincón vocal en el escenario, podía simplemente gritar y gritar para salir, en lugar de eso aprendió a juntar todos los componentes de su voz sin sacrificar la capacidad para relacionar su dolor y anhelo con los oyentes. Y cuando se hace bien, ese deseo aterriza como un puñetazo en el estómago cada vez. Nadie podía cantar las líneas “¿No sabes, cariño? / ¿Nadie te amará jamás / De la forma en que trato de hacerlo? / ¿Quién tomará todo tu dolor” en “Cry Baby” como Joplin: dibujando y arrulló cada sílaba de una línea antes de recitar la siguiente como si estuviera de rodillas. Y eso es todo antes de cantar ese coro titular como solo ella podía. Es doloroso, sexy y anhelante cuando ella se ofrece a ser el puerto de un hombre en una tormenta cuando él podría, si quisiera, convertirla en su hogar. El tema similar “A Woman Left Lonely” encuentra a Joplin, en lugar de pasar de cero a 60 y volver como lo haría normalmente, construyendo desde una admisión silenciosa hasta un lamento desesperado al final de la canción, un ejercicio desgarrador de moderación y el poder de levantarse. tensión.

Pearl también encuentra a Joplin más seguro y dispuesto a expresar su voz de la manera más vulnerable posible. En “Mercedes Benz” a capella, un comentario cómico sobre la locura del consumismo y la última canción que grabó Joplin, deja que su voz suene tan desigual y desnuda como puede ser. Si bien algunos pueden llamarlo una novedad o incluso un poco de alivio hippie en un álbum lleno de canciones de blues sobre mujeres agraviadas y anhelantes, para Joplin, la marimacho acosó toda su adolescencia por su apariencia y voz, se siente como un acto valiente de poner ella misma ahí fuera así sin lugar donde esconderse. Más notablemente, escuchamos a Joplin confiar en su voz mientras rasguea y canta “Me and Bobby McGee” de Kris Kristofferson, una historia de carretera con la que se puede identificar los altos costos de vivir la vida que elegimos, demostrando, una vez más, que ella era mucho más que un cantante que solo un belter o el artista teatral que sorprendió al público en el escenario. Es mucho más rico, entonces, cuando comienza a salpicar los Joplin-isms: mezcla las palabras “McGee” y “yeah”, forzando su voz en los momentos correctos y finalmente testificando con toda la puntuación cuando la canción llega a su final. tramo. La canción subiría al número uno y se convertiría en el éxito más imborrable de Joplin. Encajando en eso, su interpretación podría sonar tan bien en casa en Port Arthur, Texas, como lo hizo en una escena más moderna como Haight-Ashbury, San Francisco. Es un nivel de aceptación que nunca llegó a experimentar.

“Buried Alive in the Blues” se encuentra justo al final del lado uno de Pearl, un doloroso recordatorio de que el álbum, como Joplin, quedó sin terminar. Rothchild le ofreció al compositor de la canción, Nick Gravenites, la oportunidad de cantar las voces, pero él se negó. Entonces, ahí está, un boogie absoluto que nos queda preguntarnos qué pasaría si. Del mismo modo, no sabemos exactamente qué habría sido de Joplin si hubiera vivido más allá de las sesiones de Pearl, pero sí sabemos hacia dónde se veía encaminarse. “Billie Holiday, Aretha Franklin… son tan sutiles. Te pueden ordeñar con dos notas. No podían ir más allá de A a B, y podían hacerte sentir como si te hubieran contado todo el universo … Pero eso todavía no lo sé. Todo lo que tengo ahora es fuerza. Pero tal vez si sigo cantando, tal vez lo consiga “. Es difícil decir si llegó con Pearl o no. Lo que sí sabemos, sin embargo, es que Joplin ha sido para docenas de cantantes, incluidos Stevie Nicks y Florence Welch, lo que Billie Holiday y Aretha Franklin fueron para ella: una luz guía o, en este caso, una perla brillante.

Pistas esenciales: “Bobby McGee y yo”, “Cry Baby” y “Move Over”

Transmite la Legacy Edition de Pearl aquí …

Arte de perlas

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